A galeria Leme repudia qualquer ato antidemocrático. O vandalismo do último domingo (08.01) em Brasília, que resultou na depredação do patrimônio público, deve ser punido com rigor, assim como seus organizadores e financiadores.
2 semanas atrás
Sandra Gamarra é uma dos 31 artistas selecionados para participar da 16a Bienal de Cuenca, em 2023, no Equador. Intitulada “Quizá mañana“, esta edição “refletirá sobre a democracia e os conflitos do presente”, conforme o texto de anúncio e conta com curadoria do argentino Ferran Barenblit.
Este ano, Gamarra realizou as exposições individuais “Buen Gobierno”, no Centro Galego de Arte Contemporânea, em Santiago de Compostela, na Espanha; “Orden de los Factores”, no Museo Amparo, no México; e segue com a mostra “En vías de desarrollo” [Em desenvolvimento] na Galeria Leme até 14 de janeiro de 2023.
1 mês atrás
A obra efêmera intitulada Cobra Grande terá o formato de uma corrente de desmate, ferramenta utilizada em derrubadas de mata no território amazônico, e contornará o Jardim em frente ao museu
O Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM São Paulo – apresenta a partir de 10 de dezembro uma nova obra em seu Jardim de Esculturas, localizado no Parque Ibirapuera. Assinado pelo artista Frederico Filippi, o site specific Cobra Grande (2022) será uma obra temporária, de caráter efêmero, tendo em vista sua composição, que faz com que esteja sujeita às condições do dia a dia. A iniciativa faz parte das comemorações dos 30 anos do Jardim de Esculturas do MAM, a serem completados em 2023.
Nascido em São Carlos, interior de São Paulo, Filippi hoje vive e trabalha na capital paulista, e nos últimos seis anos tem se debruçado sobre questões da fronteira entre a floresta e o avanço da indústria. Cobra Grande é um trabalho que faz parte de uma série que ele vem desenvolvendo sobre dispositivos do desmate. “Minha pesquisa artística começou com relação à fricção entre matrizes de civilizações distintas a partir da invasão da América e com o tempo fui me interessando por esse lugar que fica no meio desse continente, e que é um lugar de disputa, que produz muita cobiça”, ele comenta.
Desde 2016, o artista trabalha em projetos de construção comunitária na região amazônica e no sudeste do Brasil. Essa proximidade do território fez com que sua pesquisa caminhasse para estudos sobre essa “fronteira do desmate”, como ele chama.
Em trabalhos anteriores desenvolvidos a partir desse mesmo lugar, Frederico trouxe reflexões sobre as ferramentas utilizadas no processo de desmatamento, como facões, correntes de motosserra e peças de maquinário. A obra no Jardim de Esculturas do MAM terá o formato de uma grande corrente, dispositivo utilizado como técnica de deflorestamento ostensivo nas matas. Cobra Grande será uma réplica em tamanho real
dessa corrente que se liga a dois tratores em suas extremidades, colocando a baixo a vegetação de maneira rápida e brusca.
A grande corrente, que irá ocupar um grande espaço do jardim criado por Burle Marx na frente do museu, será feita de adobe, material bastante utilizado na bioconstrução – uma técnica tradicional de construção com barro como, por exemplo, o pau-a-pique – e será acomodada em formato de arco entre árvores da área externa do museu.
Composto de barro e fibras vegetais, o adobe é um material de baixo impacto ambiental. Cada um dos 180 elos da corrente será moldado a partir dessa mistura. As peças, porém não passarão pelo habitual processo de queima, apenas secará à luz do Sol, ficando com um aspecto imagético muito similar ao ferro oxidado. Por não ser queimado, o material deve se desfazer em razão de fatores naturais e do dia a dia, como a chuva e os ventos.
O artista pontua que “a oposição de elementos naturais e industriais (cobra/corrente, barro/aço) constitui o conceito de ameaça e posteriormente deposição”. Segundo Frederico, existe, portanto, um contraste que também se revela na percepção do público sobre a obra, que a priori pode se mostrar feito de um material (ferro oxidado) e quando olhada com mais atenção se mostra outra coisa (adobe). “Esses descompassos sobre matérias também são bastante importante para o trabalho”, afirma o artista.
“O trabalho de Frederico Filippi, a partir do barro, matéria retirada da terra e que para ela voltará, nos permite refletir sobre as técnicas perversas de desmatamento atualmente praticadas. No momento crítico em que o planeta Terra se encontra, na perspectiva da crise ambiental, a obra contribui para a chamar atenção para uma questão urgente e que é fundamental para a manutenção da biodiversidade e da vida de um modo geral”, reflete Cauê Alves, curador-chefe do MAM São Paulo.
1 mês atrás
Neste domingo (4.12), às 15 horas, Tiago Sant’Ana participa da mesa “Estranhando a história do Brasil” como parte do Festival ZUM do Instituto Moreira Salles. Sant’Ana estabelecerá um diálogo com Aline Motta mediado por Luciara Ribeiro, no auditório do IMS Paulista. Ao rever a história da escravidão e da presença negra no país, os artistas amplificam o debate em torno dos 200 anos da independência do Brasil.
Evento gratuito*: Estranhando a história do Brasil, Aline Motta e Tiago Sant’Ana conversam com Luciara Ribeiro
Onde: Instituto Moreira Salles, Av. Paulista, 2424
*Lugares limitados (capacidade 145 lugares).
Distribuição de senhas 30 minutos antes de cada evento (1 senha por pessoa).
1 mês atrás
O trabalho de Frederico Filippi geralmente opõe elementos de universos diferentes, compondo um arranjo de tensão da realidade dada. Agora ele volta para a região do KM 260 da BR 319, no Amazonas, onde trabalha junto à COOPMAIA (Cooperativa de Manejadores do Igapó Açu) e à Casa do Rio. Atuando na região desde 2016, o artista já participou da construção da Escola do Igapó e agora faz parte do desenvolvimento da Movelaria do Igapó, uma iniciativa de geração de renda, permanência e autonomia através do manejo e beneficiamento de madeira.
| Frederico atua como um pêndulo, ora no ateliê, ora em campo, e é comum para o artista se envolver com mutirões e em projetos comunitários, segundo ele, “apenas para estar no seu lugar de interesse, aportando algum trabalho para aquele contexto específico”. |
“No caso do Igapó, o plano de asfaltamento da estrada vai deslocar obrigatoriamente todas as famílias para longe do rio, onde vai existir uma ponte. Os esforços são de reorganizar e garantir a permanência e condições de vida das famílias da região.
Onde existem estradas na Amazônia, existe essa tensão. Por outro lado, existe uma reivindicação pelo direito de acesso, de ir e vir. Como todas as questões lá, existe uma complexidade. Essa multiplicidade de lados existentes dessas tensões faz parte do meu trabalho, estar lá trabalhando ajuda a absorver as ambiguidades.
A fronteira é um lugar de atrito. Existe um movimento de avanço e resistência, quase escultórico, que envolve as coisas, as pessoas, os espaços e o imaginário entre as duas pontas.”
| O artista afirma que é um filho deste lado da fronteira, da indústria, do asfalto. Mas transitar daqui pra lá é parte do seu pêndulo. “Não é uma questão específica da Amazônia, poderia ser o momento da invasão da América séculos atrás, ou o desgaste de uma rocha para sacar pranchas de milhões de anos de geologia para pias e bancadas de cozinha. O que me interessa é esse desgaste da extração, estou lá por um sonho que tive de ir e fui ficando e trabalhando. Eu preciso estar lá tanto quanto preciso estar de volta num ferro velho. O tipo de conflitos e contradições que existem no avanço sobre a floresta me deixam ainda confuso, porque se quer parar a serraria de madeira mas não quer que acabem os móveis modernistas de madeira maciça nos bairros nobres que bradam contra o desmatamento. Existem tensões, ambições, necessidades das pessoas; o asfalto é desejado por lá assim como a castanheira é desejada de pé, a internet é desejada como a água sem mercúrio também é. Qual é a medida desse encontro? Existe uma acomodação possível? Essa mensagem está sendo lida em uma tela, essas telas precisam de minérios, a pressão que há não é somente dessas entidades maléficas do poder, é do hábito generalizado, da gente. Entre os inimigos, nós estamos inclusos na frente.” |
“O extrativismo vai além do recurso natural, é uma prática de desgaste, de atrito de coisas sobre pessoas, discursos sobre lugares e lugares sobre coisas. O campo da arte faz, inclusive, parte do problema. Este trânsito pendular é minha maneira de me mover, de esfregar uma ideia contra outra, um material contra outro.”
A produção mais recente do artista coincide com sua pesquisa sobre o arco do desmatamento.
“O arco é uma metáfora para este avanço, como uma onda que reverbera desde um princípio e vai dando a volta no mundo. Parte dela está nas beiradas do Amazonas, do Pará e de Rondônia.
Ele pode ser entendido como uma continuação da onda maior, que reverbera há alguns séculos, como as navegações que se deram pelas correntes marítimas ou os movimentos migratórios que se expandiam de forma peristáltica pelos terrenos. Avançando e retrocedendo, empurrando com pulso e ritmo. Um organismo digerindo o que o precedia, transformando em construto o ininteligível à frente, uma enzima, quebrando molécula a molécula uma carcaça enorme, sem pressa, deixando resíduos e subprodutos que podemos classificar e que nos servem de nome.”
“Significa pra mim que há uma fricção constante entre o que está antes da convexidade do arco e da concavidade do arco, de pessoas em busca de uma vida boa, tentando existir antes e depois da passagem do arco, de espécies tentando existir antes e depois, de ideias, de materiais que se encontram, se contaminam, dos arranjos.
Nada é muito definido, os contornos do que é o certo ali, pra mim, estão camuflados como estão os animais dentro do labirinto ótico de uma floresta.”
“As ameaças existem, mas às vezes você toma pinga com ela no bar. Tudo que eu esperava ver na Amazônia eu vi tudo ao contrário, nenhuma expectativa minha foi atendida e isso foi o maior aprendizado, e segue sendo. A primeira vez que eu fui lá, um espinho de 5 centímetros de tucumã entrou na minha perna, me deixou manco, porque eu achava que sabia andar na floresta. Fui desumilde, como diz meu amigo lá. E na ocasião o Jorge Menna Barreto, estávamos juntos, escreveu sobre o episódio:
Em um passo para trás, senti uma picada rasgando a minha panturrilha. Picadas também na minha mão enquanto eu perdia o equilíbrio humano e suspendia por alguns segundos a suposta capacidade de ler o mundo ao meu redor. Deus é grande, mas a floresta é maior. Finalmente cheguei.
Aí tive que reaprender a ver tudo lá e, por consequência, aqui. Eu estou preso nisso aí”
para conhecer mais sobre o trabalho do artista, acesse o site
8 meses atrás
Hoje (11.05), abre a exposição “David Batchelor | Alfredo Volpi”, na Cecilia Brunson Projects, em Londres, na Inglaterra. A mostra celebra a longa relação de Batchelor com a arte latinoamericana, em particular a brasileira.
A exposição girará em torno de uma tapeçaria especialmente encomendada – uma reprodução de uma das pinturas da série <em>Covid Variation</em> de Batchelor de 2020 – que foi tecida à mão no Taller Mexicano de Gobelinos, uma oficina em Guadalajara especializada em transformar ou transpor obras de arte para esse novo meio. Esta transcriação têxtil retratou fielmente todas as imperfeições da pintura original, como gotas de tinta e sangramento de cores. Ele será complementado por uma variedade de outros trabalhos de Batchelor, incluindo alguns da mesma série, que usa linhas coloridas e em ziguezague como estrutura formal. A mostra também contará com exemplos de suas obras escultóricas concretas e pinturas em cartela de cores. O trabalho de Batchelor será acompanhado por uma sala de exibição de pinturas de Alfredo Volpi.
Batchelor escreve que, em sua opinião, “os trabalhos mais interessantes da arte brasileira e latino-americana do pós-guerra tocam em três grandes áreas: abstração, cidade e cor”. Ele também os identifica como três pilares importantes de seu próprio trabalho e de Volpi. A cor é, sem dúvida, importante para ambos os artistas. No trabalho de Batchelor, ele lida com como a cor é vivenciada na cidade: o artista tem em mente as cores que vemos em plásticos brilhantes, painéis publicitários e telas de LED. Volpi morou, durante a maior parte de sua vida, em um bairro de São Paulo, Cambuci. Sua compreensão da cor na pintura teria sido inegavelmente influenciada pela luz e pelas cores que ele estava acostumado a ver em sua cidade natal. Apesar dessa importância compartilhada do domínio urbano – o tom, a textura e o peso do trabalho dos dois artistas são muito diferentes.
A mostra segue em exibição até 11 de junho de 2022.
Para mais informações, acesse: https://www.ceciliabrunsonprojects.com
8 meses atrás
Na última semana, Heloisa Hariadne participou da Open Arts, residência artística promovida pelo Facebook. Selecionada por uma curadoria mundial, a artista pintou ao longo de sete dias uma das paredes da nova sede da empresa em São Paulo. A fachada foi a segunda pintura de grande formato realizada por Hariadne, que no ano passado participou da NaLata Festival “Apesar de ser uma pintura grande, o ambiente será mais intimista, já que as pessoas do escritório conviverão diaramente com a pintura”, comenta a artista.
Confira abaixo algumas fotos do processo!
8 meses atrás
O artista Zilvinas Kempinas participa de duas exposições coletivas com abertura em fevereiro. Em ThisPlay, realizada no centro cultural Arter, em Instambul, a obra Fountain é exposta ao lado de mais de cinquenta obras. Com curadoria de Emre Baykal, a mostra busca refletir sobre conceitos de infância e brincadeira, explorando o aspecto libertador do brincar. Em Kinetismus: 100 Years of Electricity in Art, sua obra Lemniscate se insere em um contexto que busca explorar como a eletricidade transformou a prática artística no início do século XX até os dias de hoje.
Zilvinas Kempinas é uma referência mundial em arte cinética. Kempinas emprega materiais não tradicionais nas suas instalações imersivas, tais como a fita magnética desenrolada. O artista explora profundamente as propriedades físicas deste material, a sua leveza, mobilidade e transparência, jogando também com as qualidades gráficas da fita magnética, sua cor, textura e caráter refletor.
11 meses atrás
David Batchelor segue em exibição na galeria Hauser Wirth, em Zurique, Suíça, até 9 de março de 2022. Em Chromophilia, que significa o amor pela cor, os artistas expostos traçam a complexidade e a possibilidade da cor, emancipando em diferentes camadas da linha e da forma, dentro do meio escolhido, seja sintético ou encontrado – de tinta líquida ao tecido costurado, de vidros coloridos à LEDs, de néon aos bindis. Chromophilia reúne pinturas, colagens, esculturas e instalações de artistas como Phyllida Barlow, David Batchelor, Larry Bell, Louise Bourgeois, Frank Bowling, Geta Bratescu, Alexander Calder, Martin Creed, Günther Förg, Jenny Holzer, Roni Horn, Bharti Kher, Yves Klein, Jason Rhoades, Pipilotti Rist, Sophie Taeuber-Arp e Elisabeth Wild.
11 meses atrás
Heloisa Hariadne, Jaime Lauriano e Raphael Escobar fazem parte da exposição coletiva Estamos Aqui. A mostra, organizada pelo Ateliê397, com curadoria de Thaís Rivitti, apresenta 40 trabalhos de artistas e coletivos com passagens em espaços e plataformas independentes de arte, como o próprio 397. A exposição segue em cartaz até 24 de abril de 2022.
11 meses atrás
